Composizione fotografica:
Rompere tutte le regole !

testo e foto di Gloria Hopkins ©

Una grande lezione, per ogni principiante che impara a conoscere la fotografia, è che per ogni risultato desiderato, vi è un'azione necessaria.
Se vogliamo un'immagine più chiara, dobbiamo compensare l'esposizione. Se vogliamo un'immagine più nitida, è necessario regolare la velocità dell'otturatore, e così via. Comprendere il lato tecnico della fotografia, anche se non facile, è logico.
Un'altra lezione che si impara in questo campo è che per la composizione, una parte spesso temuta, ma altrettanto importante della fotografia, è vero esattamente l'opposto. Infatti non ci sono regole da seguire o azioni da intraprendere che possano garantire una buona fotografia. Questa capacità deve venire da dentro e per coloro per cui il progetto dell'immagine non è intuitivo, le linee guida della composizione possono essere strumenti indispensabili.

Comprendere le Linee guida della Composizione
Le linee guida della composizione sono vagamente denominate regole ed a queste cosidette regole si riferisce il titolo di questo articolo.
In realtà, sono solo linee guida ... principi di progettazione collaudati, utilizzati da artisti e designer per agevolare l'organizzazione e la creazione del loro lavoro. Ovviamente, come artisti visivi, è nostro diritto comporre le nostre immagini in qualsiasi modo vogliamo e non ci sono regole ferree a cui siamo legati.
Ma le linee guida aiutano ed è di fondamentale importanza per diversificare le nostre realizzazioni, che facciamo una distinzione tra il loro utilizzo come regole e l'uso come strumenti.
Le linee guida della composizione esistono per aiutarci ad organizzare gli elementi di una scena.
Sono suggerimenti che portano a risultati prevedibili e devono quindi essere usati con discrezione. Quando permettiamo che queste indicazioni governino il nostro lavoro, le nostre immagini possono diventare scontate ... destino terribile per un artista.
Quando rompere le regole
Così come ci sono momenti in cui queste linee guida sono utili, ce ne sono altri in cui possono essere modificate o addirittura ignorate. Sapere quando ignorare queste indicazioni richiede una certa esperienza, ma i risultati possono essere di grande effetto e far sì che una fotografia risalti sulle altre.
Alcuni artisti della fotografia possono usare le linee guida come uno scultore la sua argilla. Miscelando la loro conoscenza della composizione con un'interpretazione personale e con la sperimentazione, a volte tecnica, si possono ottenere risultati magici che molto spesso vanno al di là delle regole e delle linee guida.
Non ci sono formule per raggiungere questa meravigliosa capacità, che deve scaturire dalla comprensione.
Di seguito sono riportate quattro immagini che hanno contravvenuto alle principali linee guida della composizione, per quanto riguarda la fauna selvatica. Anche se non sono opere d'arte premiate, sono ugualmente immagini compositivamente gradevoli.

La regola dice: non centrare il soggetto

Pied-billed Grebe: Wakodahatchee Wetlands, Nikon F-100, Tamron 200-400 f/5.6, Fuji SensiaII,
misurazione valutativa a 0, l'obiettivo era appoggiato su una ringhiera.

Nella maggior parte dei casi, molti artisti scarterebbero un soggetto centrato, come un'immagine amatoriale e priva di fantasia. Centrare un soggetto fornisce una visione media di una scena, togliendo unicità e banalizzando l'immagine. Dopo tutto, chiunque può guardare direttamente un uccello in acqua. Cosa c'è di speciale in questo? Per questo scatto, i cerchi concentrici intorno al centro e all'uccello hanno reso speciale la scena. Il modo di comporre questo scatto era quasi ovvio: ignorare le linee guida.
I cerchi, la trama setosa dell'acqua, l'uccello che sembra guardarci, la sua postura, tutto contribuisce al successo di questa classica composizione ad occhio di bue. Se l'uccello avesse guardato da un'altra parte, l'immagine sarebbe stata accettabile, ma molto del suo fascino sarebbe diminuito perché il contatto con il soggetto sarebbe andato perduto.

La regola dice: il soggetto deve essere di fronte alla camera

Coniglio Marsh: Wakodahatchee Wetlands, EOS3, 400 f/5.6, Fuji Provia100F, misurazione valutativa a +1 / 3, obiettivo stabilizzato direttamente sul terreno.

La piccola luce catturata nell'occhio del giovane animale è stata l'unica ragione per contravvenire a una delle regole più importanti della fotografia naturalistica. Questo piccolo bagliore conferisce al coniglio una dolce caratteristica infantile, evocando pensieri di innocenza e gioventù. Io, di solito, non antropomorfizzo, ma con l'animale che sta guardando lontano, una persona fantasiosa potrebbe pensare ad un bambino che sta osservando un mondo nuovo con stupore e incertezza; oppure è alla ricerca di sua madre.
Io volutamente non ho utilizzato il flash per schiarire le aree scure dell'animale perché sentivo che, così facendo, avrei smorzato l'importanza di quella fondamentale luce nell'occhio.
Anche i piccoli fiori di campo vicino al coniglio, a mio parere, contribuiscono al fascino di questa foto. E, infine, i fiori fuori fuoco in tutta l'immagine speculano sullla forma e la luminosità del punto focale principale.
Ciò crea una consistenza armonica e una distribuzione delle forme in tutta l'immagine. Queste caratteristiche sono abbastanza forti da sostenere tutta la composizione permettendomi di infrangere le regole con fiducia.

La regola dice: lasciate più spazio davanti al soggetto

Farfalla (in cattività): Butterfly World, EOS3, 50 contatori f/1.8II, Fuji Sensia100, valutativa a 0.

Un linea guida molto nota per fotografare gli animali che sono rivolti a destra o a sinistra è di lasciare lo spazio più ampio di fronte all'animale. Se si compone l'immagine di un uccello su un trespolo e l'uccello si trova sul lato destro dell'inquadratura, ed è anche rivolto verso destra, l'uccello sembra guardare il bordo destro della cornice; ne risulta un'immagine abbastanza noiosa e sbilanciata.
Non c'è nulla da utilizzare, per la nostra immaginazione, per indovinare ciò che l'uccello possa davvero osservare. Lasciando spazio davanti, a seconda di ciò che c'è in quello spazio, è come se si aggiungesse movimento all'immagine.
La foto della farfalla, qui sopra, ignora completamente questa linea guida, ma realizza ugualmente l'illusione che l'insetto sia della ricerca dello spazio. La chiave del successo di questo scatto è lo spazio di luce in alto a destra. La vicinanza delle foglie e l'oscurità del resto dell'immagine delimitano uno spazio intimo confinato.
Ma il contrasto della leggerezza col bordo destro dell'inquadratura offre alla nostra immaginazione un ampio spazio aperto per l'insetto; l'immagine funziona anche se lo spazio e la leggerezza sono entrambi sul lato destro.

La regola dice: comprendere l'intero soggetto nell'inquadratura

Anhinga (Aninga americana o Uccello serpente): Anhinga Trail, PEV, EOS3, 400 f/5.6, 1.4tc, Fuji Sensia100, fill flash a -1 2 / 3, misurazione valutativa a -1 / 3.

Un'altra linea guida è quella di cercare di contenere interamente l'animale nell'immagine.
A meno che il fotografo stia realizzando un ritratto ravvicinato che mostra solo una parte del soggetto, troncare gli arti conferisce all'animale un'immagine amputata. Questo non è certamente il messaggio che voglio inviare al mio pubblico.
Per quanto riguarda la composizione, l'immagine di un soggetto non tagliata permette all'occhio di muoversi attorno alla forma completa, ispezionando ogni parte del soggetto. Questo non è possibile con un animale tagliato, l'occhio dello spettatore deve fermarsi bruscamente proprio dove è stato effettuato il taglio.
Nell'esempio qui sopra la coda dell'anhinga è stata tagliata. Il motivo per cui questa immagine funziona ugualmente è perché il taglio è quasi impercettibile. Inoltre si perde tra i colori, le foglie retroilluminate così gran parte dell'attenzione dello spettatore viene deviata sui dettagli importanti dall'altra parte della foto.

Sta a voi decidere se aderire alle linee guida oppure ribellarvi, come me, infrangendo le cosidette regole.
Non si può, tuttavia, rompere o seguire le linee guida se non si conoscono.
Ci sono fotografi che non si preoccupano minimamente di tutto questo, se sono ugualmente in grado di produrre immagini valide, beati loro!
Tutti gli altri hanno bisogno di un po' d'aiuto e le linee guida sono come un istruttore silenzioso che lavora al loro fianco.
Suggeriscono e guidano, con gentilezza, ma non devono nè dovrebbero avere il controllo delle nostre fotografie.

Le basi dell'esposizione in Fotografia:

La regola Sunny f/16

di Christopher Dodds ©

Il noto fotografo Christopher Dodds condivide, con i lettori di Cultor, alcuni suggerimenti
dettati dalla sua esperienza nel campo della fotografia naturalistica.
"Come istruttore e responsabile di safari fotografici, mi piace condividere quello che ho imparato ed è veramente meraviglioso vedere progredire chi vuole migliorarsi, riuscendo a creare immagini di grande impatto visivo".

Civetta delle nevi - Bubo scandiacus (Harfang des neiges) Casselman, Ontario. © Christopher Dodds.
Canon EOS 1DsMKII, 500mm F4, ISO 400 f 5.6 1/1600s modalità manuale. Full Frame. Nella tabella qui sotto (nella colonna nuvole luminose) mostra che l'esposizione corretta è ISO 400 F/11 @ 1/400s. Ho scelto di congelare il movimento utilizzando una velocità di scatto superiore, così ho usato l'esposizione equivalente di ISO 400 F/5.6 @ 1/1600 di secondo. Sapevo anche che dovevo aspettarmi meno dettaglio nella neve e nelle piume bianche, perché non c'erano ombre per aiutare a definirli.

"Cosa stai fotografando lì, Dodds?" era la domanda che sentivo lavorando nel paesaggio del New Mexico che usavamo come set per fotografare le oche delle nevi e la gru di Sandhill, circa un anno fa.
"Che esposizione hai impostato Dodds?" era la domanda dallo stesso fotografo, più recentemente. Non voglio mettere in imbarazzo nessuno, quindi non farò nomi. Penso veramente che lui sia un fotografo di grande talento. Non per nulla è stato ampiamente pubblicato, ma è anche il primo ad ammettere di non conoscere veramente a fondo tutte le cose "tecniche"... e dalle sue domande si comprende come il suo interesse per la parte tecnica, con l'esperienza, sia aumentato.

La singola abilità più importante che un fotografo dovrebbe avere è una conoscenza di base dei fondamenti della fotografia. Lo strumento più importante e, al tempo stesso, l'aspetto meno compreso della fotografia, è la teoria dell'esposizione. Ho imparato la fotografia con una macchina totalmente manuale e usando pellicola per diapositive (ormai sembra tanto tempo fa), dove era necessaria una buona conoscenza di base per ottenere immagini di successo.

Domanda: Perché perdere tempo quando posso mantenere le cose semplici per scattare una foto, controllare l'istogramma e apportare successivamente le eventuali modifiche necessarie?

Risposta: Perché avere una conoscenza approfondita della teoria dell'esposizione e delle funzioni e dei comandi della fotocamera aiuta a crescere e migliorare come fotografi, consentendo di impostare settaggi migliori e, di conseguenza, ottenenere migliori immagini.

A questo proposito, per quanto riguarda l'esposizione, la formula più semplice, la regola "Sunny F/16" afferma: in un giorno luminoso, soleggiato, l'esposizione corretta per qualsiasi soggetto di tono medio è F/16 alla velocità dell'otturatore più vicina al reciproco della velocità pellicola. Ad esempio:

ISO 100 = 1/100 secondo @ F/16

ISO 200 = 1/200 secondo @ F/16

ISO 400 = 1/400 secondo @ F/16

ISO 800 = 1/800 secondo @ F/16

Ora che abbiamo stabilito la corretta esposizione, è il momento di decidere se abbiamo bisogno di maggiore profondità di campo o più velocità dell'otturatore. Ogni spostamento verso l'alto, o verso il basso, di una variabile rappresenta un raddoppio o dimezzamento, di qualsiasi altra variabile. Così se ho bisogno di più velocità dell'otturatore di 1/100 di secondo @ F/16 (ISO 100), un'esposizione equivalente sarebbe: ISO 100 1/1600 secondo @ F/4.

Questo diagramma illustra le esposizioni equivalenti per ISO 100 e 200. Ogni impostazione qui sopra permetterà alla stessa quantità di luce di colpire il sensore delle fotocamere digitali o le pellicole analogiche. L'esposizione è la stessa, con l'unica differenza nella velocità dell'otturatore (per congelare o applicare della sfocatura) o la profondità di campo (molto stretta per sfocare lo sfondo, o molto grande per catturare un intero paesaggio in modo definito e tagliente).

Ma aspettate! Stanno arrivando le nuvole. Ora che cosa si fa? La regola Sunny F/16 è per la corretta esposizione ambientale di un soggetto medio, in condizioni di sole luminoso. Se il sole va dietro una nuvola, la luce che cade sul soggetto diminuisce e si deve fare un adeguamento alle impostazioni dell'esposizione di base. Qui ci sono alcune impostazioni di apertura per alcune situazioni di luce differenti:

Questo è inteso come punto di partenza, quindi ci sono delle eccezioni. Retroilluminazione o luce laterale richiedono entrambe regolazioni per ottenere l'esposizione corretta. Con la fotocamera digitale è una buona idea esporre a destra, compensando secondo le condizioni; infatti il 50% dei dati registrati viene registrato nel quinto destro (o 20%) dell'istogramma delle fotocamere digitali. Con soggetti molto luminosi, in condizioni di luce forte, ordinariamente si sottrae luce per non bruciare i punti più in luminosi. Con soggetti molto scuri o neri, tendo ad aggiungere luce per massimizzare il dettaglio registrato.

Notate le impostazioni per la foto della civetta delle nevi: ISO 200 F9 secondo 1/1600 = F22 200 ISO 1/1250 di secondo (o regola Sunny F/16 per luce sabbia o neve) meno 1/3 di stop per preservare tutti i dettagli nei bianchi senza clipping (o perdere) tutti i dati.

Suona complicato, ma se impiegate un po' di tempo lavorandoci sopra, sarete in grado di ottenere scatti accurati e consistenti. Per non parlare di quanto impressionerete i ragazzi (o le ragazze) quando si sta tutti insieme in attesa dello scatto o quando si parla di fotografia.

Se possedete un iPhone o iPod touch, è disponibile, per $1.99, un'applicazione molto utile, chiamata Exposure Calc. L'ho appena trovata, mentre scrivevo questo post, e penso che sia un buon aiuto per l'apprendimento e un utile riferimento da tasca.

In ogni caso potete provare ad effettuare uno scatto di prova, controllare l'istogramma, modificare le regolazioni e fare un altro scatto di prova; il procedimento può continuare finchè vi divertite e siete interessati ad acquisire l'immagine perfetta.